Justament Okt. 2010: Tierisch gut
Tom Waits begeistert auf seinem aktuellen Live-Album
Thomas Claer
Wer Leute zu sich nach Hause einlädt und ganz auf Nimmer sicher gehen will, der legt Tom Waits-Platten auf, egal welche. Der coole Tom Waits, heute 60, gilt in informierten Kreisen seit langen Jahren als absoluter Konsens-Künstler. Während man über viele andere Pop-Musiker zu sagen pflegt, sie würden auf der Bühne zum Tier, gilt das für Tom Waits bereits auf seinen Platten, zumindest auf seinen reiferen seit den Achtzigern. Dennoch nehmen die Live-Einspielungen einen besonderen Rang ein im umfangreichen Werk des großen Romantisierers und Ästhetisierers des Abgebranntseins als Existenzmodus. Da gab es zunächst das damals sehr umstrittene Doppelalbum „Nighthawks at the Diner“ (1975), bei dem künstlich und kalkuliert die Atmosphäre in einer anrüchigen Spelunke als perfekte Illusion erzeugt wurde. Heute hat ihm das inzwischen wohl jeder verziehen, denn keine „echte“ Bar-Musik könnte wundervoller sein als diese Platte. Dann gab es die sehr kraftvolle „Big Time“ (1988), die vor allem die deutlich rockigeren Stücke seit 1980 versammelt. Und nicht zu vergessen die ganz und gar absonderliche geisterhafte Live-Version von „The Piano Has Been Drinking“, aufgenommen in Dublin 1981, von der Compilation-Platte „Bounced Checks“, die nie als CD gepresst wurde, doch auf YouTube finden wir sogar das.
Und nun also nach über 20 Jahren ein weiteres Live-Album. „Glitter & Doom“ entstand auf der gleichnamigen Tour, die den kalifornischen Songwriter 2008 durch die USA und Europa führte. Die in zehn verschiedenen Städten aufgenommenen insgesamt 17 Songs sind eher solche der zweiten Reihe, die hier in oft völlig verändertem musikalischen Gewand erklingen. Die Live-Atmo kommt vortrefflich rüber. Bluesig und mitunter jazzig klingen die Arrangements. Auf einer zweiten CD befinden sich noch etliche Zwischenbemerkungen, Anekdoten und Bühnenansprachen des Meisters im Dialog mit seinem Publikum. Doch dies fließt nicht in die Bewertung ein, da der Rezensent das Gemurmel ganz überwiegend nicht verstehen kann.
Noch kurz zur Präsentationsweise: Tom Waits auf CD oder gar in digitaler Formatierung abzuspielen, muss man schlichtweg als Todsünde bezeichnen. Auf einem Uralt-Kassettenrekorder in Mono-Klangqualität im Studentenwohnheim – das geht gerade noch an. Ansonsten ist Vinyl hier Pflicht. Rechtfertigen lässt sich sein Genuss auf CD allenfalls damit, die eigenen guten alten Vinyl-Scheiben für den noch ausgesuchteren, noch lieberen künftigen Besuch schonen zu wollen. Wichtig ist ferner, die Whisky-Flasche stets in Reichweite stehen zu haben. Das Urteil lautet: gut (13 Punkte).
Tom Waits
Glitter and Doom (Doppel-CD)
Anti (Indigo) 2009
Ca. € 17,-
ASIN: B002SG7L9W
Justament Okt. 2010: Tiefpunkte und Kleinode
Die neue Tocotronic-Platte „Schall und Wahn“
Thomas Claer
Es ist einfach nur zum Grausen, was Tocotronic, unsere einstigen Trainingsjacken-Helden der Neunziger, auf ihrer neunten regulären Studioplatte über weite Strecken abliefern. Dafür möchte man sie am liebsten schlagen, aber so richtig. Was haben sie sich bloß dabei gedacht, uns mit solch einem schwülstigen Bombast zu kommen wie im Opener „Eure Liebe tötet mich“ und im Schlussstück „Gift“? Diese jeweils geschlagene acht Minuten langen Zumutungen bilden gleichsam den Rahmen eines von Anfang bis Ende völlig missratenen Albums voller Tiefpunkte. So müsste man sagen, wären da nicht doch noch ein paar – in diesem Umfeld jedenfalls überraschende – Songs eines ganz anderen Kalibers, namentlich das Titelstück „Schall und Wahn“ und vor allem das überaus feine „Im Zweifel für den Zweifel“. Man wollte diese Stücke, wäre das Wort nicht schon so abgenudelt, gerne als musikalische Kleinode bezeichnen. Nur hier kann die Band aus der „Hamburger Schule“ an das vergleichsweise starke Vorgängeralbum „Kapitulation“ (2007) anknüpfen. In ihren besten Momenten erinnern die reifen Tocotronic im akustischen Gitarrenspiel an die seligen Smiths aus den Achtzigern mit ihrem genialen Gitarrero Johnny Marr, wohingegen jedoch Dirk von Lowtzow gesanglich nur einen recht gequälten Morrissey abgibt. Ein Wort zu den Texten der Band, die früher einmal die Welt aus den Angeln zu heben sich anschickten: Heute kann man bestenfalls sagen, dass sie nicht allzu sehr stören. Das stümperhaft plumpe literarische Zitieren kam in ihrem Frühwerk noch regelrecht charmant rüber, heute hingegen wirkt es eher peinlich. Auch dort, wo sie sich in der alten Parolenhaftigkeit versuchen, wie im Single-Stück „Macht es nicht selbst“, geht der Schuss nach hinten los. Was vermutlich als kritisch linkes Statement gegen den Neoliberalismus mit seiner Ich-AG-Mentalität, aber auch gegen die in seinem Schlepptau chronisch selbstausbeuterische digitale Boheme gedacht war, klingt aus dem gutsituiert-aristokratischen Mund eines Dirk von Lowtzow wie reaktionärer Hohn gegenüber denen, die sich ein gewiss anstrengendes, aber immerhin selbstbestimmtes Leben organisiert haben.
So lassen sich die Parolen-Songs der Tocos aus den Neunzigern heute mit Leichtigkeit gegen sie selbst wenden: „Alles, was ich will, ist, nichts mit euch zu tun haben“, „Ich bin viel zu lange mit euch mitgegangen“ oder – leicht abgewandelt – „Tocotronic – ihr habt mein Leben zerstört!“ Hier stockt der Rezensent: Woher eigentlich diese Grobheit? Warum nicht einfach, wie bei anderen, das Gute herausstellen und den Rest überhören, es tut doch keinem weh. Halt, das tut es doch! Und wie! Vielleicht ist es ja enttäuschte Liebe. Das Urteil lautet: befriedigend (7 Punkte). Damit seid ihr noch gut weggekommen, Saubande!
Tocotronic
Schall und Wahn
Vertigo Berlin (Universal) 2010
Ca. € 17,-
ASIN: B002ZHIPT4
www.justament.de, 26.7.2010: Gefangen im Selbstzitat
Die neue Yello-CD lädt ein zur nostalgischen Zeitreise
Thomas Claer
Wer in den achtziger Jahren, sofern er da schon auf der Welt war, einmal einen Bravo-Kalender besaß, dem ist vielleicht unter den vielen qietschbunten Gestalten darin ein einsamer Krawatten- und Anzugträger aufgefallen: Das war Dieter Meier von der Schweizer Elektro-Avantgarde-Band Yello. Irgendwie war er dort ein Fremdkörper (ähnlich wie damals auch Otto Schily bei den Grünen), zumal auch seine Band-Kollegen verwegen koloriert oder gar mit freiem Oberkörper posierten. Nun muss man aber wissen, dass es sich bei Dieter Meier, Jahrgang 1945, um den einzigen internationalen Popstar mit abgeschlossener juristischer Ausbildung handelt (Justament 5-2007, S.22 berichtete), abgesehen vom italienischen singenden Rechtsanwalt Paolo Conte.
Dieter Meier und Yello schrieben also seit ihrem Debüt-Album „Solid Pleasure“ (1980) Popgeschichte. Jedes ihrer Alben aus den Achtzigern klang anders, immer aufregend und erfrischend, wenn auch ein allmählicher Trend zum Glatten und Gefälligen nicht zu überhören war. Doch seit nunmehr zwanzig Jahren bestehen ihre Platten vornehmlich aus der Neukombination des Altbekannten. Und das gilt erst recht für das hier zu besprechende „Touch Yello“: Der Opener „The Expert“ ist eine Mischung aus „The Race“ und „Tied up“ von 1988 sowie dem „Rubberbandman“ von 1991. Der zweite Song „You Better Hide“ erinnert am Anfang an „Blue Green“ von 1980, dann an „The Rhythm Divine“ von 1986. Das dritte Lied klingt etwas nach „Goldrush“ von 1986 und nach „Jungle Bill“ von 1991. Beim vierten Track handelt es sich um einen – immerhin ehrlicherweise auch als solchen bezeichneten – Remix ihrer legendären Prä-Techno-Nummer „Bostich“ (1980). Und so geht es munter weiter. Sie plündern den eigenen Back-Katalog nach Belieben. Das allein wäre zwar noch nicht weiter schlimm, doch ist schmerzhaft zu bemerken, wie sehr die sparsam eingesetzten Neuerungen hinter ihren früheren klanglichen Kabinettstücken zurückbleiben.
Dabei ist längst nicht alles schlecht auf „Touch Yello“. Vor allem wer noch nie eine andere Yello-Platte gehört hat, kann an der CD durchaus seine Freude haben. Die insgesamt etwas dunklere, jazzigere, ja smoothigere Note kann man auch gut finden. Und im besagten „You Better Hide“ ist mit der Schweizerin Heidi Happy eine junge, hoffnungsvolle Sängerin sehr eindrucksvoll zu vernehmen. Das ist übrigens bis heute eine Stärke von Yello geblieben: die Untermalung von lasziven Frauenstimmen. Diese Dame sollte man im Auge behalten. Das Urteil lautet: befriedigend (8 Punkte).
Yello
Touch Yello
Polydor (Universal) 2009
Ca. € 17,-
ASIN: B002N9MK86
www.justament.de, 31.5.2010: Das Wunder von Oslo
Die Debüt-CD der talentierten Lena Meyer-Landrut vor dem Justament-Gericht
Thomas Claer
Selbst in eher verschlafenen Wohngebieten wurden in der Nacht zum letzten Sonntag Raketen abgeschossen und Fahnen geschwenkt. Dabei hat doch die Fußball-WM noch gar nicht begonnen. Was also war geschehen? Nach 28 Jahren hat Deutschland, man mag es glauben oder nicht, wieder beim Grand Prix d’Eurovision de la Chanson gewonnen, der inzwischen Eurovision Song Contest heißt. Früher, als eine Schlagersängerin namens Nicole dort mit einem „bisschen Frieden“ erstmals die Trophäe nach Deutschland holte, war dieser Wettbewerb noch ein Ausbund an Scheußlichkeiten. Inzwischen, so muss man feststellen, hat sich die Veranstaltung in bemerkenswerter Weise bis hin zum veritablen Popsong geöffnet. Überhaupt ist der Song-Contest, auch bedingt durch die Explosion der Anzahl teilnehmender Länder seit 1990ff., zu einem Medien-Großereignis für ganz Europa geworden, das gerade in Zeiten der Euro-Krise für etwas Zusammenhalt sorgt. Und nachdem Deutschland dort in den letzten Jahren nur durch Blödeleien von Stefan Raab und Guildo Horn aufgefallen war, durfte diesmal ein echtes Nachwuchstalent ins Rennen: lovely Lena Meyer-Landrut, die die Herzen zunächst der deutschen und nun auch der europäischen Zuschauer im Sturm erobern konnte. Ein neuer Popstar ist geboren, der wohl schon dadurch eine Lücke füllt, dass er so ganz anders rüberkommt als die anderen weiblichen Musikgrößen dieser Generation: als die clevere diabolisch-raffinierte Lady Gaga etwa oder die grandios konfus-kaputte Amy Winehouse. Lena ist der vollkommene Kontrast, wirkt natürlich, aufgeweckt, selbstbewusst und doch zugleich bescheiden, ohne jede Spur von Arroganz. Dass sie keine Stimme habe, wie zur Zeit gerne in den Feuilletons behauptet wird, ist natürlich Unfug. Sie singt ganz ausgezeichnet, sehr individuell – und lässt vor allem viel Potential erkennen. Auch das Grand-Prix-Lied „Satellite“, das ein internationales Songwriter-Team geschrieben hat, ist gar nicht einmal schlecht, wenn auch bestimmt nicht überragend. Aber es muss ja, so funktioniert eben das Pop-Business, gleich eine ganze CD her, für die ihr Mentor und Manager Stefan Raab eilig noch ein paar harmlose Songs zusammengeschustert hat. Da darf man natürlich keine Wunder erwarten, wenngleich Lena auch mittelmäßige Songs mit der ihr eigenen Grazie bewältigt. Immerhin: So richtig Peinliches sucht man auf der Scheibe vergeblich. Und schließlich muss man es Lena hoch anrechnen, dass sie den heute zu Unrecht fast vergessenen Tonträger Audio-Cassette, mit dem vor allem die weit fortgeschrittenen Semester unter uns manch süße Erinnerung verbinden dürften, wieder ins mediale Rampenlicht gerückt hat. Das Urteil lautet: befriedigend (7 Punkte).
Lena
My Cassette Player
Usfo (Universal) 2010
Ca. € 17,-
ASIN: B003I4V8BU
Justament April 2010: Krachender Kontrapunkt
PJ Harvey hat mit John Parish eine furiose Platte aufgenommen
Thomas Claer
Wow! Sie ist wieder ganz die Alte! Zum verstörend gespenstisch-genialen Vorgänger “White Chalk” (Justament berichtete in Heft 1-2008) setzt PJ Harvey mit “A Woman a Man Walked by” nun einen krachenden Kontrapunkt. Noch mehr als zu früheren Alben hat diesmal ihr alter Freund und Weggefährte John Parish beigetragen, u.a. die komplette Musik geschrieben, weshalb er auch verdientermaßen gemeinsam mit Polly Jean als Urheber der CD firmieren darf. Parish kann als PJs Entdecker gelten, holte er doch schon vor zwanzig Jahren die damals blutjunge Polly in seine Band “Automatic Dlamini”, von wo aus sie ihre Solo-Karriere startete. Ein Höhepunkt jener frühen Jahre war das gemeinsame Album der beiden, “Dance Hall at Louse Point” von 1996, herausragend hier wiederum der Song “City of No Sun”. Hieran knüpfen die neuen Songs an: PJ, inzwischen 40, kreischt und röhrt, gurgelt und ächzt bei den schnellen, lauten Songs. Und sie säuselt und winselt, schmeichelt und piepst bei den langsamen und leisen. John Parish, inzwischen 50, der auch die meisten Instrumente eigenhändig spielt, sorgt für den schrägen, schrillen und chaotischen, doch immer wieder überraschend melodiösen Rahmen zur Inszenierung von Polly Jeans überragender Stimme.
Schon der Opener “Black Hearted Love” packt einen mit Macht, und erst recht tun dies die raffinierten Banjoklänge von “Sixteen, Fifteen, Fourteen”. Sirenenhaft – sowohl im antik-homerischen als auch im neuzeitlich-polizeilichen Sinne – ist Polly auf “Leaving California” zu vernehmen. Und die zur Grundmelodie so seltsam entgegengesetzt verlaufenden Klavierläufe auf “The Chair” … Und die feinen, zarten Klänge von “April” und das ganz besonders tolle “The Souldier”… Es gibt praktisch keine Ausfälle – jeder Song auf dieser Platte ist eine Granate. Nicht, dass PJ Harveys eigene Kompositionen nichts taugen würden, aber das, was John Parish ihr diesmal auf den Leib komponiert hat, ist noch eine glückliche Steigerung. Hier hat sich einer, so scheint es, jahrelang viel Kreativität für seine Lieblingssängerin aufgespart. Wir genießen das Ergebnis. Das Urteil lautet: gut (13 Punkte).
PJ Harvey & John Parish
A Woman A Man Walked By
Universal Island Records 2009
Ca. € 17,-
ASIN: B001U0HBHO
www.justament.de, 22.3.2010: Er hod’s gwusst
Georg Ringsgwandl nimmt seine Hörer mit nach “Untersendling”
Thomas Claer
Der bayrische Kabarettist und Liedermacher Georg Ringsgwandl, inzwischen 61, ist nicht nur ein kluger und witziger Zeitgenosse. Er hat daneben auch noch prophetische Fähigkeiten. Auf dem Album “Vogelwild” (1992) lautet eine der zahlreichen Strophen im “Lied vom Stau”: “Warum studierst du Rechtsanwalt? Sag mal, ist das schlau?/ Später kriegst du keine Stelle, denn dort ist ein Stau.” Und auch so manchem Häuslebauer hat er im Lied “Mir baun” vom Album “Trulla! Trulla! (1989) – leider zutreffend – vorhergesagt, dass der Herzinfarkt ihn “zsammenstaucht”. Hat er denn etwa sogar … ? Ja, selbst die Finanzkrise hat er als einer der wenigen vorhergesehen, sagt er jedenfalls auf Anfrage im Interview. Ein halbes Jahr, bevor es 2008 losging, habe er alle Geldanlagen aufs Festgeldkonto umgeschichtet. Es sei nur so ein Gefühl gewesen.
In einem früheren Leben war Dr. med Georg Ringsgwandl einmal Oberarzt in der Kardiologie am Klinikum Garmisch-Partenkirchen. 1993 hängte er jedoch seinen Arztkittel an den Nagel, um fortan nur noch – wie zuvor schon als Parallelexistenz – künstlerisch zu wirken. Seine Bühnenshows haben es in sich: Grell geschminkt tritt der “schräge Hund” bis heute auf die Bühne und unternimmt verwegene Luftsprünge beim Gitarrensolo, wenn auch nördlich des Weißwurstäquators die Verständlichkeit seiner Mundart zu wünschen übrig lässt. Der Rezensent wurde in den Neunzigern in Bremen einmal Zeuge einer seiner gefürchteten Publikumsbeschimpfungen, als Ringsgwandl mit den Worten “Ihr seid zu dumm, ihr versteht’s net!” entrüstet die Bühne verließ.
Großartige Songs hat er über die Jahre geschrieben, deren Texte mitunter sprichwörtlich wurden (“Denn da spart man am meisten!” “Der Garten-Nazi”) Seine besondere Vorliebe für existentielle Fragen – sarkastisch aufgearbeitet – rührt wohl nicht zuletzt aus den Erfahrungen seiner medizinischen Praxis: Dem “Konsumverweigerer” vom Album “Der schärfste Gang” (2006) reicht am Ende “ein gebrauchter Fichtensarg”.
Mit seinem neuen Album “Untersendling”, benannt nach dem Münchener Stadtbezirk, wo Ringsgwandl seit langen Jahren eine Wohnung unterhält, kann er jedoch nur bedingt an die starken früheren Veröffentlichungen anknüpfen. Textlich fehlt diesmal insgesamt etwas die Schärfe. Auch musikalisch bewegt sich seine munter rockende Begleitband ein wenig zu sehr in eingefahrenen Gleisen. Das Urteil lautet: befriedigend (8 Punkte).
Ringsgwandl
Untersendling
Lawine (Sony Music) 2009
Ca. € 17,-
ASIN: B002ICGDAY
Justament Dez. 2009: Abgründige Parallelwelt
Hope Sandoval beglückt uns mit ihrem zweiten Soloalbum
Thomas Claer
Das CD-Cover zeigt einen nackten Arm über einer unbestimmbaren Lichtquelle in völliger Dunkelheit und sonst gar nichts. Hope Sandoval ist wieder da: die rätselhafte, undurchdringliche, undurchschaubare. Ihre letzte Platte, “Bavarien Fruit Bread”, liegt schon acht Jahre zurück. Wenn wir richtig gerechnet haben, ist sie jetzt 43 Jahre alt. Ihre Stimme aber klingt kaum anders als vor zwanzig Jahren: eigentlich hell und klar, doch immer auch etwas gedämpft und zerbrechlich. Klein und zierlich, elfengleich und mädchenhaft stand sie erstmals Ende der Achtziger mit “Opal” auf der Bühne, der Band des amerikanischen Underground-Gitarristen David Roback. Die junge Hope Sandoval, aus einer mexikanischen Einwandererfamilie in Los Angeles stammend, war Opal-Fan, hatte der Band Demo-Kassetten mit eigenen Songs geschickt und wurde von den Musikern kurz darauf als Bühnenvertretung für Sängerin Kendra Smith engagiert. Nach deren Ausscheiden 1989 übernahm Hope Sandoval den Gesangs-Part, und Roback nannte die Gruppe nun “Mazzy Star”. Fortan waren alle Lieder auf Hope Sandoval und ihren einzigartig-geheimnisvollen, seltsam entrückten sphärischen Gesangsstil zugeschnitten. Das Mazzy Star-Debütalbum “She Hangs Brightly” (1990) begeisterte mit Sechzigerjahre-Psychedelic-Anklängen, spartanisch instrumentierten Gitarrenpop-Nummern und einem einfach unbeschreiblichen Titelstück. Auch die beiden folgenden Mazzy-Star CDs “So Tonight that I Might See” (1993) und “Among my Swan” (1996) entzückten mit traumhaft-düsteren Songs im Zeitlupentempo. Legendär sind ferner die schüchternen Interviews, die Hope Sandoval in den 90ern gab, in denen sie die Fragesteller manchmal minutenlang anschwieg, um sie dann mit knappen und vieldeutigen Antworten zu verwirren. Ohne dass Mazzy Star sich jemals aufgelöst hätten, brachte Hope Sandoval die nächsten beiden stilistisch ähnlichen CDs ohne Dave Roback unter dem Bandnamen “Hope Sandoval & The Warm Inventions” (2001) heraus, nämlich das besagte “Bavarien Fruit Bread” und nun also “Through The Devil Softly”: Geradezu gemächlich hebt das Album an, erst der dritte Song “For the Rest of your Life” wird richtig abgründig. Doch atmet das ganze Album jenen Mazzy Star-Spirit der ausgedehnten Töne und zerfließenden Realitäten. Es dominieren Gitarren, mitunter kommen Mundharmonikas und Violine hinzu. Scheinbar ist das Folk, aber ein bodenloser Folk, der einen in die Tiefe zieht. Das überraschend kraftvolle “Trouble” klingt dann jedoch plötzlich wie ein Lied von Portishead. Und das effektvoll als Schlussstück angeordnete “Satellite” mutet an wie eine Botschaft aus dem Jenseits. Das Urteil lautet: gut (13 Punkte).
Hope Sandoval & The Warm Inventions
Through The Devil Softly
Nettwerk (Soulfood Music) 2009
Ca. € 17,-
ASIN: B002GZQZQ0
Justament Dez. 2009: Herzlich und schmerzlich
Die neue Platte von Element Of Crime enthält wenig Überraschendes und macht dennoch Freude
Thomas Claer
Element Of Crime – das sind seit 25 Jahren hingerotzte Chansons meist traurigen Inhalts mit Rockgitarren und Jazztrompete. Gab es in ihrer Frühphase noch manche stilistische Änderung – etwa den Wechsel von der englischen zur deutschen Sprache – ist seit “Damals hinterm Mond” (1991) mehr oder weniger alles beim Alten geblieben. “Immer da wo du bist bin ich nie” ist nun das insgesamt zwölfte Studioalbum des Berliner Kollektivs um Sänger, Texter, Trompeter und Romanautor Sven Regener, allerdings auch erst das dritte in diesem Jahrzehnt.
Und es geht einem mit dieser CD ähnlich wie mit den Vorgängern: Sie enthält einige famose Kracher, diesmal neben dem country-folkig rockenden Titelstück noch das grotesk-überdrehte “Kopf aus dem Fenster”, das schmerzlich-wehmütige “Euro und Markstück” sowie “Kuchen und Karin”, das in seiner tiefen Schlichtheit an einen Tom Waits-Song erinnert. Vor allem letzteres gehört zu jenen Liedern, bei denen einem – um es mit einem bekannten Dichter zu sagen – zumute ist, als ob “das Herz recht angenehm verblute”.
Zwar gewinnen auch die übrigen Stücke mit jedem weiteren Hören, doch fallen sie diesmal, zumal die sehr langsamen unter ihnen, teilweise doch etwas ab. Regeners über weite Strecken gewohnt kraftvolle und metaphernreiche Songlyrik verirrt sich hier mitunter – um nicht zu sagen: Er tappt gelegentlich in die Sentimentalitätsfalle. Zu tadeln ist vor allem das ziemlich alberne “Der weiße Hai”, auf dem Alexandra Regener, die neunjährige Tochter des Sängers, nebst einer Freundin im Hintergrund zu vernehmen ist. Doch bleibt dieses Lied die einzige wirkliche Enttäuschung.
Die größte Entdeckung befindet sich hingegen gar nicht auf diesem Album, sondern auf der B-Seite der auf 500 Exemplare limitierten Vinyl-Single mit dem Titelstück als A-Track. Es handelt sich um eine Cover-Version des Stücks “Blaumeise Yvonne” vom NDW-Altmeister Andreas Dorau. Dieses Lied ist so schön, dass man sich nach einigen Malen Hören gar nicht mehr vorstellen kann, wie man bisher ohne es leben konnte. Und die Kinderstimmen stören hier – anders als beim “Weißen Hai” – in keinster Weise. Aber leider ist der Song nicht auf der LP und findet hier daher auch keinen Eingang in die Bewertung. Das Urteil lautet: vollbefriedigend (12 Punkte).
PS: Element of Crime haben Erbarmen und bieten den Song “Blaumeise Yvonne” jetzt über Ihre Homepage zum kostenlosen Download an, aber nur für alle Abonnenten des Newsletters. Die Prozedur ist ziemlich umständlich.
Element Of Crime
Immer da wo du bist bin ich nie
Vertigo Berlin (Universal) 2009
Ca. € 15,95
ASIN: B002IS1466
www.justament.de, 15.6.2009: Mit Bart und Schmiss
Altmeister Nick Cave kommt langsam wieder in Form
Thomas Claer
Zwischenzeitlich schien es, als sei Nick Cave, 1957 in Australien geborener Meister des lärmigen Underground, einfach nur ein müder alter Sack geworden. Vom kommerziellen Erfolg seiner „Murder Ballads“ (1996) hatte er sich – daran konnte kein Zweifel bestehen – mehr als ein Jahrzehnt lang nicht mehr richtig erholt. Nach jenem seinerzeit in Szenekreisen misstrauisch beargwöhnten Turn zur hinreißenden Popballade mit Kylie Minogue („Where the Wild Roses Grow“) und zum nicht minder bezaubernden Duett mit P.J. Harvey („Henry Lee“ – Was für ein Video!) war bei Cave und seinen Bad Seeds irgendwie die Luft raus. Immer langsamer und schleppender wurden fortan ihre Songs, immer reduzierter und spartanischer die Arrangements. Meist plätscherten die Lieder ihrer zwischen 1997 und 2004 veröffentlichten Alben nur noch so dahin. (Immerhin wurden aber die Berliner Bad Seeds-Konzerte in jenen Jahren noch von Sven Regener, einer allzeit zuverlässigen Instanz des guten Geschmacks, besucht.) Man konnte allerdings gar nicht glauben, dass dort die einst so wilden Kerle am Werk waren, neben Cave noch Mick Harvey und Barry Adamson, die Anfang der Achtziger in Australien unter dem Namen „Birthday Party“ für gefeierte Lärmorgien gesorgt hatten, bevor sie 1983 nach West-Berlin zogen. Dort, in der Kreuzberger Szene vor dem Mauerfall, wurden unter Mitwirkung von Blixa Bargeld („Einstürzende Neubauten“), noch bis vor wenigen Jahren vollwertiges Mitglied der Band, kurz darauf die „Bad Seeds“ geboren. Mit „From Her To Eternety“ (1984) gelang ihnen ein unübertroffen morbides, wirres, destruktiv-schönes Debut, die Bandmitglieder auf den Plattencover-Fotos allesamt vom Wahnsinn gezeichnet. Seitdem galten Nick Cave & The Bad Seeds als Institution in der Dark Wave-Szene, bis sich Nick Cave unglücklicherweise in Kylie Minogue verliebte …
Es brauchte einen Umweg: Nick Cave, den viele schon abgeschrieben hatten, nahm 2006 mit dem Geiger Warren Ellis und einigen anderen härteren Jungs ein sehr kraftvolles Album namens „Grinderman“ auf, das auch textlich, etwa mit dem „No Pussy Blues“, zur harten Obszönität der ganz frühen Jahre zurückfand. Und diesem Jungbrunnen entstiegen geht es bei Mr. Cave nun auch mit seinen guten alten Bad Seeds wieder richtig zur Sache. Schon vor gut einem Jahr erschien das neue, überaus frisch wirkende Album „Dig, Lazarus, Dig!!!´”. (Wir sind spät dran mit unserer Rezension, ich weiß. Aber wie zuletzt schon bei den Breeders geht auch hier Relevanz vor Aktualität.) Auch optisch ist Nick Cave kaum wiederzuerkennen. Ein mächtiger Schnurrbart schmückt jetzt das Gesicht der einstigen Coolness-Ikone. Und musikalisch knüpft „Dig, Lazarus, Dig!!!” an die besten Jahre der Band an. Alle Lieder des Albums haben das, was unsere Großeltern-Generation ehedem als Schmiss bezeichnete, soll heißen: da geht was los. Der Opener und Single-Track ist noch gar nicht mal so überragend, aber dann kommen finstere Rassel-Nummern wie „Night Of The Lotus Eaters“, fulminante Rock-Kracher wie „Albert Goes West“, aber auch mit „Hold On To Yourself“ ein hochmelodiöses Stück der entspannteren Art. Das Urteil lautet: voll befriedigend (11 Punkte).
Nick Cave & The Bad Seeds
Dig, Lazarus, Dig!!!
4AD/Beggar (Indigo) Mute (EMI) 2008
Ca. € 17,-
ASIN: B000ZN258M
Justament Okt. 2009: Melancholisch und ungezogen
Mit “Mountain Battles” setzen die Breeders ein Lebenszeichen, das gefallen kann
Thomas Claer
So weit ist es schon gekommen: Vor einem Jahr haben die Breeders ein neues Album herausgebracht, und ich hab’s erst jetzt gemerkt. Doch ist ein Jahr gar nicht so viel Zeit – gemessen an den ausgedehnten Schaffenszyklen dieser Band. Tatsächlich ist “Mountain Battles” erst ihre vierte Platte in zwanzig Jahren.
Angefangen hat es mit den Breeders 1989 als Kim Deal, Bassistin und Co-Sängerin der legendären Pixies (1986-1992) – der womöglich besten Band aller Zeiten – sich mit Tanya Donelly (Throwing Muses) und Josephine Wiggs zu einem explizit feministischen Nebenprojekt zusammenfand. 1991 erschien ihr Debütalbum “Pod”, verglichen mit den Nachfolgern ein ungeschliffenes Juwel, ein furioses Gitarrenrockalbum. Insbesondere ist das Stück “Opened” ein Gigant von einem Song in bester Pixies-Manier. Mit den Pixies allerdings ging es nach einem vollständigen Zerwürfnis zwischen Lead-Sänger Black Francis (a.k.a. Frank Black) und Kim Deal bald zu Ende. Black erklärte damals u.a., die Zickigkeit seiner Bassistin nicht mehr ertragen zu können. So wurden die Breeders für Kim Deal zum Hauptprojekt: 1993 gelang ihnen – bereits ohne die ausgeschiedene Tanya Donelly – mit ihrem zweiten Album “Last splash” und der Single “Cannonball” ein weltweiter Erfolg, obgleich die viel zu poppig geratenen Songs Fans und Kritiker keineswegs durchweg überzeugen konnten. Es folgte nach langer Pause mit Kim Deals Präsenz in mehreren anderen Projekten erst 2002 das wunderbar reife, begnadete, in jeder Hinsicht großartige “Title TK”.
Zu dieser Zeit bewies Kim Deal ihr unvermindertes Temperament mit dem unvergesslichen Statement in der 3Sat-Kulturzeit: “Hey, Mann, wenn der Gitarrist eine Pussy ist, dann kannst du gleich die ganze Band vergessen!” Es folgte noch eine emphatisch gefeierte Wiedervereinigungs-Tournee der versöhnten Pixies.
Und nun also “Mountain Battle”: Auch mit siebenundvierzig Jahren singt Kim Deal noch wie ein manchmal ungezogenes kleines Mädchen. Rockig, krachend und schmutzig kommen die meisten Stücke daher, aber gerade auch die langsamen Lieder wie das besonders zu rühmende Titelstück “Mountain Battles” entfalten einen unwiderstehlichen Reiz. Mein Gott, wie melancholisch sind Songs wie “Night Of Joy” oder “We’re Gonna Rise”! Und dann noch eine Neuerung: Der Song “Bang On” enthält Ausflüge in die Elektronik, aber so vorsätzlich stümperhaft, so augenzwinkernd dilettantisch, dass man die Breeders schon allein dafür lieben muss. Im vergnüglichen Song “German Studies” schließlich heißt es z.B. mehrmals: “Lass das Licht an!” und “Was machst du bloß?” Ansonsten reicht das musikalische Spektrum von der sehr Pixies-mäßigen Pop-Hymne “Walk It Off” bis zum Countrysong “Here No More”. Für 13 Lieder brauchen sie keine 37 Minuten: Immer kurz und schmerzlos. Das Urteil lautet: voll befriedigend (12 Punkte).
The Breeders
Mountain Battles
4AD/Beggar (Indigo) 2008
Ca. € 17,-
ASIN: B00133FBDY
