Category Archives: Über Musik

justament.de, 8.8.2022: Bajuwarischer Schräg-Bläser

Scheiben Spezial: Vor 40 Jahren erschien die erste Platte von Haindling

Thomas Claer

Seine Debüt-Platte hat er noch ganz allein aufgenommen, einfach mehrere Spuren übereinandergelegt, schließlich beherrscht er wohl an die zwanzig Musikinstrumente. Und er benannte sein Erstlingswerk schlicht nach seinem niederbayrischen Wohnort: „Haindling 1“. Später hat Hans-Jürgen Buchner, Jahrgang 1944, dann auch noch wechselnde Begleitmusiker um sich geschart, womit „Haindling“ auch als Band geboren war. Aber im Grunde genommen war und blieb es doch immer ein Ein-Mann-Projekt: Haindling war Buchner und Buchner war Haindling.
Auf eine ganz erstaunliche, nun vier Jahrzehnte währende Karriere kann Haindling mittlerweile zurückblicken, denn wirklich massentauglich ist eine solche Musik – die abenteuerliche Kreuzung aus Jazz und bayrischer Folklore mit oftmals dadaistischen Mundart-Texten und immerhin gelegentlich poppigen Melodien – eigentlich nie gewesen. Aber Buchner, der Querkopf, der musikalische Autodidakt, der bis heute Wert darauf legt, keine Noten lesen zu können, hat etwas, was nur wenige haben: natürliches Charisma. Und hinzu kommt sein ausgeprägter kauziger Humor. Ein Großteil seiner Songtexte basiert auf skurrilen Alltagsgesprächen und -beobachtungen. So heißt es zum Beispiel in seinem Gassenhauer „Er hod g’raucht“(1993):

Du I sog da oans,
I bin a doadkranker Mo
Ja wieso wos is’n los
I bin a doadkranker Mo
Ja steill da amoi vor wos da Dokta zua mia sogt
I derf ibahabt nix mehr heb’n
Ja konnst da Du des vorsteilln,
Des hoasd I derf ja ned amoi an Kastn Bier heb’n
Ja da bin I do koa Mensch mehr, oda?
Und’s Raucha hob I aufkeahd,
Oba I hob jetzt scho wieada ogfangt,
Weil’s ma einfoch schmeckt
Weil’s ma einfoch schmeckt, vastehsd?
Und woasd was I da sog:
Und sollte ich wirklich einmal sterben,
Konn I zumindest oans sogn –
I hob wenigstens g’raucht.

Lautmalerische und rhythmisierende Texte dieser Art verschmelzen bei Haindling förmlich mit ihren musikalischen Gewändern, am eindrucksvollsten vielleicht im Song „Du Depp“ von 1984, einem wahren Meisterwerk dieser Gattung. Und dazu dann immer wieder diese unwiderstehlichen Bläser-Einschübe, bevorzugt mit dem Saxophon.
Auch wenn Haindling dieses hohe Niveau im Laufe der Jahre nicht durchgängig halten konnte, finden sich doch selbst auf den späteren CDs noch immer wieder großartige Perlen, oftmals auch Instrumental-Miniaturstücke („Hühner-Techno“, „Die Tänzerin“, „Mama“). Dass sich Hans-Jürgen Buchner neben seinen regulären Platten-Veröffentlichungen noch ein zweites musikalisches Standbein mit der Komposition von eher seichter Hintergrundmusik für Filme und Vorabendserien des Bayrischen Rundfunks geschaffen hat, sollte ihm niemand verübeln.
Als stärkste Haindling-Platte gilt seine zweite Veröffentlichung „Stilles Potpourri“ (1984) mit den Hit-Singles „Du Depp“ und „Lang scho‘ nimma gsehn“. Aber dicht danach folgt auch schon „Haindling 1“ (1982) mit Höhepunkten wie „Achtung, Achtung“, „Rote Haar“ oder „Erzherzog Johann“. Man kann es sich gut vorstellen, wie Buchner zu jener Zeit noch als Ein-Mann-Kapelle in Kneipen aufgetreten ist…
Seit 13 Jahren hat Haindling nun allerdings schon kein neues Album mehr veröffentlicht. Kein Wunder, ist Hans-Jürgen Buchner doch mittlerweile auch schon Ende siebzig. Doch ans Aufhören denkt er nach eigenen Angaben keineswegs. Vielmehr arbeite er, so verriet er jüngst in einem Interview, nach wie vor an neuem Material. Möge daraus noch ein Haindling-Alterswerk entstehen!

Buchner (Haindling)
Haindling 1
Polydor (Universal Music) 1982
ASIN: B0000084YV

justament.de, 11.7.2022: Elfenklänge aus weißen Holzhäusern

Scheiben Spezial: Vor 30 Jahren erschien das Debüt von „Bobo in White Wooden Houses“

Thomas Claer

Diese Musik passte so richtig gut in die Zeit. Damals, in den frühen Neunzigern, als Indie-Folk sehr en vogue war. Besonders der auf einer irischen Volksweise beruhende Eröffnungssong „Ever the Wind“, aber auch Stücke wie „Wide Awake“ und „Hole in Heaven“ konnten überzeugen und machten aus der selbstbetitelten ersten Platte von „Bobo in White Wooden Houses“ gewissermaßen die Antwort der neuen Bundesländer auf die Rainbirds. Aus heutiger Sicht muss man allerdings einschränken: Nicht alle Lieder auf dem Debütalbum sind gleichermaßen gut gealtert – wohl aber lässt sich dies von der bezaubernden Sängerin und Bandleaderin Bobo (bürgerlich Christiane Hebold, Pfarrerstochter aus Gräfenhainichen in Sachsen-Anhalt) sagen, die auch noch mit Mitte fünfzig wie ein junges Mädchen wirkt und mit elfengleicher Stimme unvermindert ihr Publikum in ihren Bann zieht.

Dabei hatte sich schon wenige Jahre nach ihrem furiosen Start ein tragischer Schatten über die Band gelegt: Gitarrist Frank Heise, mit dem Bobo auch privat liiert war, beging 1995 Suizid – und hinterließ eine ratlose Band, die nun nicht mehr weitermachen konnte. Nach nur drei Platten, von denen insbesondere auch die elektronisch ausgerichtete „Cosmic Ceiling“ (1995) gefallen konnte, war vorläufig Schluss. Fortan widmete sich Bobo verschiedenen Kooperationen, von denen man ihr insbesondere jene mit Rammstein (1997/98) nicht zu sehr vorwerfen sollte, denn schließlich war sie jung und verwitwet und brauchte offensichtlich auch das Geld…

Mitte der Nullerjahre kam es aber dann doch zur gefeierten Wiederauferstehung von „Bobo in White Wooden Houses“ in neuer Besetzung. Parallel dazu gründete Bobo das Projekt „Bobo und Herzfeld“, das sich der experimentellen Interpretation deutscher Volkslieder wie auch der Vertonung klassischer deutscher Dichtung widmet, was Bobos glockenhelle Stimme auf gewohnt anmutige Weise zur Geltung bringt. Seitdem sind mehrere neue Alben sowohl von den „White Wooden Houses“ als auch von „Bobo und Herzfeld“ erschienen. Kurzum, Bobo geht auch noch nach drei Jahrzehnten ihren Weg – mit und ohne weiße Holzhäuser.

Bobo in White Wooden Houses
Bobo in White Wooden Houses
Pilgrim Records / Polydor (Universal Music) 1992
ASIN: B00000ASYQ

justament.de, 13.6.2022: Mehr als eine Jugendsünde

Vor zehn Jahren erschien „Herz aus Gold“, das Debüt von „Die Heiterkeit“

Thomas Claer

Je älter man wird, desto schwieriger ist es bekanntlich, noch irgendetwas zu finden, das einen vom Hocker reißt. Man denkt dann: Seltsam, früher gab es so unendlich viel aufregende Musik, und die Helden von einst findet man ja auch weiterhin gut – oftmals sogar das, was sie heute noch fabrizieren. Aber unter den Newcomern der, sagen wir, letzten zwei Jahrzehnte, da ist doch kaum noch etwas Interessantes dabei gewesen. Und das, obwohl ich mich doch nun wirklich bemüht habe: Sobald mal wieder im Feuilleton ein neuer Superstar oder Geheimtipp abgefeiert wurde, habe ich umgehend seinen Namen in die YouTube-Maske eingegeben, um ihn mir mal anzuhören. Aber spätestens nach ein paar Minuten gab ich es in der Regel wieder auf. Selbst an Billie Eilish, der man ein gewisses Charisma in der Tat nicht absprechen kann, vermag ich musikalisch beim besten Willen nichts Erbauliches zu finden. Schwer zu sagen, ob das wirklich am schwachen Niveau der jüngeren Akteure oder eher an der altersbedingt stark nachlassenden Begeisterungsfähigkeit des Rezensenten liegt…

Immerhin drei in den letzten beiden Dekaden angetretene Pop-Musikerinnen, von denen ich große Stücke halte, (aber – warum auch immer – kein einziger männlicher Akteur!) fallen mir noch auf die Schnelle ein: Lana Del Rey, Maike Rosa Vogel und Stella Sommer. Und von letzterer soll hier nun die Rede sein, genauer gesagt vom Frühwerk ihres grandiosen Bandprojekts „Die Heiterkeit“, das aus den beiden Alben „Herz aus Gold“ (2012) und „Monterey“ (2014) besteht. Natürlich muss man wissen, dass sich hinter „Die Heiterkeit“ im wesentlichen auch nur Stella Sommer verbirgt, denn ähnlich wie auf ihren beiden exzellenten späteren Solo-Platten hat sie auch bei „Die Heiterkeit“ nur ein paar Musikerinnen (und nur vereinzelt auch männliche Musiker) um sich geschart, die sozusagen nach ihrer Pfeife tanzen. Und der entscheidende Unterschied zwischen Band- und Solo-Projekt ist auch nur der, dass bei „Die Heiterkeit“ auf Deutsch gesungen wird und bei Stella Sommer solo auf Englisch, aber selbst hiervon gibt es Ausnahmen…

Das Frühwerk von „Die Heiterkeit“ also, für das sich wohl hauptsächlich jene interessieren dürften, die bereits durch die späteren Glanzlichter „Pop & Tod, I +II“ (2016) und insbesondere „Was passiert ist“ (2019) auf den Geschmack gekommen sind… (Wir haben damals jeweils an dieser Stelle darüber berichtet.) Da ist also zunächst einmal das vor genau einem Jahrzehnt erschienene Debüt „Herz aus Gold“, das sich zwar noch nicht unbedingt als künstlerischer Höhepunkt, aber doch zweifellos schon als interessanter Versuch ansehen und anhören lässt. Hier und da gibt es schon recht gelungene Details, doch fehlt oftmals noch das Zündende, vor allem bei den Texten. Man spürt, dass diese Platte weit weniger als alle Folgenden von Stella Sommer dominiert wurde und wie die Musikerinnen hier um ihren Stil ringen, den sie noch nicht vollständig gefunden haben. Musikalisch bestimmen Schrammel-Gitarren das Bild. In den Songtexten herrscht noch eine Art jugendlicher Ironiezwang. Das große Pathos wird, anders vor allem als auf der großartig-opulenten „Was passiert ist“ (2019), noch gescheut. Auch steht Stella Sommers überwältigende Stimme hier noch längst nicht so im Vordergrund, wie es auf ihren späteren Alben der Fall sein wird.

Die interessantere der beiden frühen Platten ist aber „Monterey“. Dort gibt Stella Sommer bereits unverkennbar den Ton an, dominiert das Album auch stimmlich. Und sie versucht sich gleich mehrfach an dem, was später ihre besondere Spezialität werden wird: am elegischen Liebeslied. Der mit Abstand stärkste Song des Albums ist sein letzter, „Pauken und Trompeten“. Er hat bereits alles in sich, was den Heiterkeits-Sound der beiden Nachfolge-Alben ausmachen wird, nicht zuletzt eine betörende Melodie und Rhythmik. Ebenfalls sehr gelungen sind „Wässere mich“ und „Kapitän“, aber auch der Opener „Factory“, während die drei dem Schlusstitel „Pauken und Trompeten“ vorhergehenden jeweils sehr langsamen Stücke sich untereinander so ähnlich sind, dass leichte Ermüdungsreflexe des Zuhörers nur schwer zu vermeiden sind…

Kurzum, im Frühwerk der „Heiterkeit“ wechseln sich Licht und Schatten ab, doch ist es ohne jede Frage eine Entdeckung wert, zumal wenn man – wozu sich der Rezensent hier ausdrücklich bekennen möchte – Stella Sommer und „Die Heiterkeit“ eine große Zukunft prophezeit. Das Urteil lautet: voll befriedigend (10 Punkte) für „Herz aus Gold“ und noch einmal voll befriedigend (12 Punkte) für „Monterey“.

Die Heiterkeit
Herz aus Gold
Staatsakt (H’Art) 2012
ASIN: B0087OR138

Die Heiterkeit
Monterey
Staatsakt (H’Art) 2014
ASIN: B00G756GRS

justament.de, 16.5.2022: Folk und Blues und Country up Platt

Scheiben Spezial: Vor 40 Jahren erschien „Platt for ju“ von De Plattfööt

Thomas Claer

Mit populärer Musik aus dem Osten habe ich mich immer etwas schwer getan. Denn eigentlich galt in meiner Jugend, damals in den Achtzigern, ausnahmslos alles, was „von uns“ kam, also aus der DDR, als unrettbar uncool. Nur was aus dem Westen stammte, konnte etwas taugen. Soviel war klar. Das war zwar ungerecht gegenüber allen Musikschaffenden des Ostens, aber doch keineswegs aus der Luft gegriffen. Denn alles, was wild und anarchisch war, und so etwas hat es natürlich auch im Osten gegeben, das kannte man nicht, weil es nie erscheinen durfte. Während Vergleichbares im Westen sogleich zum nächsten großen Ding hochgejubelt wurde und einem über die westlichen Medien rasch zu Ohren kam…

Eine Ausnahme war aber das folkloristische Duo „De Plattfööt“, das ich schon als Jugendlicher gut fand, woran sich bis heute, zumindest was ihr Frühwerk betrifft, auch nichts geändert hat. Insbesondere die vor vierzig Jahren erschienene Debütplatte der beiden gebürtigen Rostocker Sänger und Gitarristen Peter Wilke und Klaus Lass hatte es in sich. Auf „Platt for ju“, die nur scheinbar harmlos und gefällig daherkam, mischten sie Folk-, Blues- und Country-Klänge (also lauter Musikrichtungen vom Klassenfeind!) mit lustigen und manchmal regelrecht subversiven Texten in mecklenburgischem Platt. In erster Linie waren das Alltagsbeschreibungen, in denen man sich als DDR-Bürger leicht wiedererkennen konnte. Bei Lass und Wilke wurden daraus richtig gute Songs wie ihr bekanntester, „Fru Püttelkow ut Hagenow“, der von einer unablässig Klatsch und Tratsch verbreitenden Verkäuferin in einer mecklenburgischen Kleinstadt handelt und mit einer brillanten Schlusspointe endet. „Disco up’n Dörp“, ihr anderer großer Hit, thematisiert u.a. die Leiden der jugendlichen Landbevölkerung angesichts der bescheidenen Taktung des Öffentlichen Nahverkehrs, was ja systemübergreifend und bis heute ein nicht unerhebliches Problem geblieben ist. In „Jochen un sin Garden“ geht es um die privaten Rückzugsräume der Kleingärtner, nicht ohne die damals im Osten übliche, aber aus heutiger Sicht unvorstellbar geringschätzige Behandlung von Kindern auf die Schippe zu nehmen („Mokt, dat ehr da wegkümmt und trampelt dor nich rüm!“). Ein besonderes Highligt ist ferner das Lied „Lud‘n Jahn ut Doberan“ über das Seemannsgarn eines Kneipengängers („Und Ungeheuer hem wi sehn / Mit twinnig Köppen un döttig Been“), das zugleich das immerwährende Fernweh der weitgehend eingesperrten DDR-Bewohner spiegelt: „Denn jeder weit, dat Lud’n Jahn / Noch nie rutkehm ut Doberan“.

Eigentlich sind alle Songs auf „Platt for ju“ gelungen, es gibt kein einziges schwächeres Lied. Und auch die beiden, noch zu DDR-Zeiten erschienenen, Folgealben „Songs ut Meckelbörg“ (1985) und „Wenn du ok Plattfööt hest“ (1989) konnten – mit Abstrichen – noch überzeugen. Aber dann haben die beiden liebenswerten Plattfööts wohl, wie so viele andere, eine Art Wende-Knacks bekommen. So richtig gut waren sie auf ihren weiteren Veröffentlichungen eigentlich nur noch, wenn sie – was häufiger vorkam – ihre alten Songs aus den Achtzigern recycelt haben. Heute sind die Plattfööt längst Geschichte. Manchmal hat Klaus Lass, die übriggebliebene Hälfte, noch Solo-Auftritte als „De Plattfoot Klaus“. Wenn er nicht Stadtführungen durch Warnemünde macht.

De Plattfööt
Platt for ju
Amiga (DDR) 1982
(Nur noch antiquarisch auf Vinyl erhältlich.)

Informationen: https://de-fischerkaten.de/dpf/plattfoot.html

justament.de, 11.4.2022: Die weißen Tauben waren müde

Scheiben Spezial: Vor 40 Jahren erschien „Sturm“, die Debüt-Platte von Hans Hartz

Thomas Claer

Der Krieg, der jetzt so unvermittelt über die Nachbarn unser Nachbarn hereingebrochen ist, war ja nie ganz weg aus Europa. Irgendwo ist er in den letzten Jahrzehnten immer mal wieder aufgeflackert: auf Zypern, in Transnistrien, gleich zehn Jahre lang in Ex-Jugoslawien. Eigentlich müsste man auch noch Tschetschenien dazuzählen, das genau genommen schließlich ebenfalls in Europa liegt… Dass wir uns rückblickend trotzdem über die mit Abstand friedlichsten sieben Dekaden der europäischen Geschichte freuen dürfen, lag wohl hauptsächlich am atomaren „Gleichgewicht des Schreckens“, das den Ost-West-Konflikt vierzig Jahre lang auf verträgliche Temperaturen heruntergekühlt hatte. Begleitet wurde diese Zeitspanne in Westeuropa, vor allem in West-Deutschland, von mächtigen Friedens-Demonstrationen mit manchmal Hunderttausenden Teilnehmern, denen man aus heutiger Sicht zwar den Vorwurf der politischen Naivität nicht ganz ersparen, einen nicht unerheblichen emotional-psychologischen Beitrag zur Friedenssicherung aber auch nicht absprechen kann.

In diesem Umfeld nun entstand im Jahr 1982 einer der berühmtesten deutschsprachigen Protestsongs jener Jahre: „Die weißen Tauben sind müde“, gesungen von Hans Hartz, einem singenden Kneipenwirt aus Schleswig-Holstein mit einer Reibeisenstimme, die ihresgleichen suchte. Doch war jener Hans Hartz nur der Interpret all der Lieder, die vor vierzig Jahren auf seinem Debüt-Album „Sturm“ erschienen. Komponiert und getextet hatte sie niemand anders als Christoph Busse, der akustisch omnipräsente fabelhafte Sesamstraßen-Musiker („Egal-Song“), der allerdings aus Schüchternheit niemals eine Bühne betrat und sich daher für eine Karriere als Popstar für ungeeignet hielt. Stattdessen überließ Busse, der sensible Feingeist, seine Songs lieber dem eher deftigen Hans Hartz, der als ausgewiesene Rampensau galt und in der Tat keine schlechte Wahl war.

Heraus kam bei dieser Co-Produktion eine Art ehrlicher Schweinerock mit bewegenden Momenten. Nicht nur die Hit-Single „Die weißen Tauben“ konnte überzeugen, das ganze Album „Sturm“ war bemerkenswert, was sich auch noch von den Folgewerken sagen lässt, deren Höhepunkte auf der ausgezeichneten Compilation „Frei wie der Wind – Die Balladen“ (1986) zusammengefasst wurden. Die stärksten Songs darauf neben den „Weißen Tauben“ waren – um nur einige zu nennen – „Die Fische schweigen“, „Nur Steine leben lang“, „Der blaue Ballon“, „Sturm“, „Musik aus der Ferne“ und „Kanada“.

Einen – allerdings für ihn tragischen – zweiten Karrierefrühling erlebte Hans Hartz dann in den frühen Neunzigern, als seine Interpretation des von Bernie Paul und Todd Canedy komponierten Songs „Sail Away“ als Fernsehwerbung der Biermarke Becks groß herauskam. Allerdings, so erzählte es Christoph Busse viele Jahre später in einem Radio-Interview, hatte sich Hans Hartz zuvor bei den Verhandlungen mit einer Werbeagentur vollkommen über den Tisch ziehen lassen, indem er ihr alle Rechte an den Aufnahmen dieses Songs für kaum mehr als tausend Mark überließ. Als der geknickte Hans Hartz dann eines Nachts seinem Frust freien Lauf ließ und in stark alkoholisiertem Zustand die Agentur anrief, wobei er wütende Drohungen und Verwünschungen gegen sie ausstieß, wurde der Bier-Werbespot mit seinem Gesang kurzerhand abgesetzt und durch eine neue Aufnahme von „Sail Away“ mit Joe Cocker ersetzt. Darüber soll Hans Hartz nie mehr hinweggekommen sein, und sein reichlich ungesunder Lebensstil – u.a. konsumierte er täglich drei Schachteln Zigaretten – tat sein übriges. Vor knapp zwanzig Jahren, am 30. November 2002, ist Hans Hartz dann erst 59-jährig an Lungenkrebs gestorben. Die weißen Tauben flogen nicht mehr.

justament.de, 7.3.2022: Die Geburt der Ukraine aus dem Geiste des John Peel

„The Complete Ukrainian Peel Sessions“ von The Wedding Present aus den Jahren 1987-1989

Thomas Claer

Das war mal wieder einer dieser völlig verrückten Einfälle des legendären BBC-Moderators John Peel (1939-2004), damals vor dreieinhalb Jahrzehnten. Während seiner über vierzigjährigen Radiolaufbahn förderte er in seinen enorm einflussreichen Musiksendungen immer wieder neue, ungewöhnliche Musikstile und insbesondere noch unbekannte Indie-Bands. Seinen ausgesucht-ausgefallenen Geschmack zu treffen, war seinerzeit das Beste, was aufstrebenden Künstlern passieren konnte. Denn er lud die glücklichen, von ihm ausgewählten Musiker regelmäßig zu seinen „Peel-Sessions“ ein, in denen sie dann im BBC-Studio unter seiner kundigen Anleitung ein paar Songs einspielten. Und so hatte er also auch die 1985 in Leeds gegründete Rockformation „The Wedding Present“ zu sich ins Studio gebeten, als deren ukrainischstämmiger Gitarrist Peter Solowka in der Pause zwischen den Aufnahmen mal eben ein ukrainisches Volkslied vor sich hin spielte. Diese Klänge versetzten John Peel augenblicklich in ein solches Entzücken, dass er darauf bestand, dass die Band Wedding Present bei nächster Gelegenheit bei ihm eine Session nur mit ukrainischen Folk-Songs aufnehmen sollte. Flugs wurde in Len Liggins noch ein passender Sänger mit dröhnender Bass-Stimme engagiert, der auch die Geige vortrefflich zu spielen wusste. Hinzu kamen Schlagzeug, E-Gitarre und Mandolinen. Und heraus kam die 1990 erschienene EP „Ukrainski vistupi v Iwana Peela“ („Die ukrainischen John-Peel-Sessions“), die mit über 70 000 verkauften Exemplaren in Großbritannien ein Überraschungs-Erfolg wurde. Diese Songs leben von ihrer puren Energie. Und genau darin liegt auch die Überschneidung zwischen slawischer Folklore und dem Punk-Rock der Achtzigerjahre.

Allerdings entzweite dieses fulminante Crossover die Wedding-Present-Fans dann doch. Der eine Teil von ihnen war begeistert, der andere wendete sich ab. Ähnlich gespalten waren die Bandmitglieder. Und so kam es, dass nach diesem erfolgreichen Experiment Solowka und Liggins „The Wedding Present“ den Rücken kehrten und eine neue Band ins Leben riefen, die fortan nur noch ukrainischen Folk-Punk spielte, während der Rest der Band wieder so weitermachte wie zuvor. Mittlerweile gibt es schon seit über drei Jahrzehnten „The Ukrainians“, deren Repertoire neben traditionellen Songs im Punk-Style auch aus einer Menge ähnlich gestrickter Eigenkompositionen sowie ukrainischen Cover-Versionen bekannter Pop-Songs besteht.

Die Anfänge der „Ukrainians“, die besagten Peel-Sessions der Jahre 1987-1989, sind nun in einer gegenüber der damaligen Veröffentlichung um drei Songs erweiterten Version wieder erhältlich. Wobei diese drei Songs den meisten Fans schon von den späteren Ukrainians-Alben bekannt sein dürften, allerdings nicht in diesen Versionen. Als Sahnehäubchen gibt es dazu noch eine DVD mit rarem Filmmaterial aus jener Zeit sowie einem nostalgisch zurückblickenden Interview mit den Bandmitgliedern. Genau genommen ist diese Wiederveröffentlichung aber gar nicht erst jetzt erschienen, sondern schon vor fast drei Jahren. Doch wann, wenn nicht in diesen Tagen nach Putins abscheulichem Überfall auf die Ukraine und anlässlich ihrer tapferen Gegenwehr, sollte man auf dieses großartige Album hinweisen? Das Urteil lautet: sehr gut (16 Punkte).

The Wedding Present
The Complete Ukrainian Peel Sessions (Remastered)
CD + DVD
USM Verlag 2019
ASIN: B07PRZJCC5

justament.de, 24.1.2022: Durchbruch einer Diva

Scheiben vor Gericht Spezial: Vor zehn Jahren erschien „Born to Die“ von Lana del Rey

Thomas Claer

Irgendwie dunkel und melancholisch, morbide und mysteriös. So wirkte vor genau zehn Jahren, Ende Januar 2012, die Musik von „Born to Die“, dem zweiten Album der damals erst 26-jährigen Lana del Rey, auf die Zuhörer, das der wundersamen Amerikanerin ihren ganz großen kommerziellen Durchbruch bescherte. Doch ist diese viel beachtete Platte seinerzeit auch äußerst umstritten gewesen: Die hat doch aufgespritzte Lippen, ist nicht womöglich alles bloß Fake an ihr?, fragten misstrauisch ihre Kritiker. Und dann standen ihr auch noch bei jedem Song diverse Co-Autoren zur Seite. Hatte sie denn überhaupt etwas von diesen Liedern selbst komponiert? Ebenso vorgehalten wurde ihr schließlich das unüberhörbare qualitative Gefälle zwischen den einzelnen Tracks auf dem Album.

Vielleicht wird ein schärferer Blick auf „Born to Die“ ja erst mit dem gebührenden zeitlichen Abstand möglich. Denn obschon einige Füllstücke, ein paar wirklich billige Disko-Nummern, den guten Gesamteindruck etwas trüben, ist doch das meiste auf dieser Platte überaus grandios. Hier hat Lana del Rey ihren ganz eigenen Stil ausgebildet, mit starken Bezügen auf die Sechziger, den sie in den darauffolgenden Jahren auf mittlerweile sechs weiteren Veröffentlichungen immer mehr perfektioniert hat. Dabei ist ihre Stimme keineswegs überragend, und ihre Songs reichen auch nicht durchgängig an die stilistisch verwandten Mazzy Star und Hope Sandoval heran. Und dennoch, sie sind schon verdammt gut, wobei die medialen Selbstinszenierungen, die Lana del Reys sehr spezifischen Ruhm vor allem begründet haben, sich zumindest nicht unmittelbar störend auswirken… Neben der Hit-Single „Video Games“, “Summertime Sadness” und dem Titelstück „Born to Die“ ist besonders „Blue Jeans“ hervorzuheben, ein ganz unglaublicher Song! So steht es also ganz außer Frage, dass sich Lana del Rey auf „Born to Die“ ihren Glamour-Girl-Status redlich verdient hat.

Das Urteil lautet: gut (13 Punkte).

Lana del Rey
Born to Die
Universal Music 2012
ASIN: B0064IPOSE

justament.de, 27.12.2021: Verdammt lang her

Vor 40 Jahren erschien „Für usszeschnigge!“ von BAP

Thomas Claer

Mit der deutschen Sprache in den Liedertexten der populären Musik ist es ja so eine Sache. Es lässt sich nun einmal nicht gut in dieser eckigen, kantigen, widerborstigen Sprache singen. Dagegen hilft zweierlei: entweder ins Englische ausweichen, was natürlich sehr fantasielos ist. Oder man singt in deutschen Dialekten – und siehe da: Es harmoniert doch gleich viel besser. Wohl beinahe alle unsere regionalen Mundarten sind, wenn man sie denn beherrscht, weitaus einfacher und flüssiger singbar als das Hochdeutsche. Ihr weiches Dahinfließen schmiegt sich der Musik förmlich an. Plattdeutsche Texte zum Beispiel passen wunderbar zu Rockmusik, wie Torfrock und Achim Reichel schon in den Siebzigern bewiesen haben. Bayrisch hingegen geht sehr gut mit bläserbetontem Jazz, wie es Haindling seit den Achtzigern sehr überzeugend vorexerziert hat. Auf Österreichisch lässt sich sogar fabelhaft rappen, wie es der Sänger Falco („Wer sich an die Achtziger erinnern kann, der ist nicht dabei gewesen.“) in ebenjenem Jahrzehnt gezeigt hat.

Und dann waren da auch noch BAP, die vor nunmehr vierzig Jahren ihren Durchbruch mit Rockmusik auf Kölsch feiern konnten. „Für usszeschnigge!“, das Ende 1981 erschienen ist, war damals bereits ihr drittes Album, verhalf der rheinischen Rock-Combo aber mit dem Mega-Hit „Verdamp lang her“ zum ganz großen Erfolg. Wer sich diesem wirklich exzellenten Album nähern will, ist gut beraten, all das auszublenden, was mit BAP in den vier Jahrzehnten danach passiert ist. Angesichts ihrer übergroßen Popularität positionierte sich die Band mit den inhaltlich engagierten Texten später immer mehr als politisches Projekt. Sänger Wolfgang Niedecken avancierte – gleich neben Herbert Grönemeyer – zur moralischen Instanz der deutschen Popmusik. Kein Wunder, dass sie nie wieder so frisch und unbekümmert geklungen haben wie auf „Für usszeschnigge!“, was ganz ausdrücklich auch für die kölnischen Texte gilt. Und kaum zu glauben: Manchmal klingen diese hier sogar regelrecht unkorrekt!

Der „Müsli-Män“ macht sich über einen verbiesterten Öko-Anhänger lustig. In „Waschsalon“ lässt das technisch unbedarfte lyrische Ich stets seine Freundin die Waschmaschine bedienen. Dafür würde es aber heute vermutlich einen Shitstorm hageln… „Verdamp lang her“ ist ein trauriger, tief enttäuschter, ja verbitterter Blick zurück von einem, der viel auszuhalten hatte. Ein düsterer und wirklich starker Song! Was ebenso für die Großstadt-Hymne „Südstadt verzäll nix“ gilt. Und auch der Rest des Albums ist nicht schlecht. Klar, das Moralinsaure und Selbstgerechte in Niedeckens Texten findet sich auch schon auf dieser Platte, aber hier lässt es sich zumindest noch gut ertragen.

BAP
Für usszeschnigge!
EMI (Universal Music) 1981
ASIN: ‎B000EHRXNQ

justament.de, 29.11.2021: Ihr siebter Streich

Carla Bruni auf ihrer aktuellen CD „Carla Bruni“

Thomas Claer

Es ist schon etwas länger her, dass wir in dieser Rubrik musikalische Veröffentlichungen von Carla Bruni besprochen haben. Seinerzeit, 2007 und 2008, umrahmten ihre dicht aufeinander folgenden CDs „No Promises“ und „Comme si de rien n’etait“ die spektakuläre Verbindung des früheren Fotomodells aus prominenter Familie mit dem damaligen französischen Präsidenten Nicolas Sarkozy (der gegenwärtig eine Haftstrafe wegen illegaler Wahlkampffinanzierung absitzt, wenn auch nur von zu Hause aus mit elektronischer Fußfessel). Vorausgegangen war bereits 2002 Carla Brunis gefeiertes Debüt „Quelqu’un m’a dit“. Aber was sich schon damals herauskristallisierte, hat auch bis heute seine Gültigkeit behalten: Der viele Rummel um ihre Person hat der künstlerischen Qualität ihrer Werke nicht geschadet. Vor Jahresfrist hat Carla Bruni nun ihr mittlerweile siebtes Album herausgebracht, welches diesmal ohne eigenen Titel auskommt, was natürlich schon für sich genommen ein Statement ist.

Wollte man an dieser Platte etwas kritisieren, dann wäre es dies: Es fehlt das Neue, das Überraschende, die Lieder kommen einem zum großen Teil irgendwie bekannt vor. Aber ist das wirklich schlimm? Wer die charmant hingehauchten Gitarren-Songs ihrer früheren Alben mochte, der wird auch „Carla Bruni“ einiges abgewinnen können, wobei sich die stärkeren Lieder eher in der vorderen Hälfte der Platte befinden. Wer hingegen eine andere Seite von Carla Bruni entdecken will, dem sei das vier Jahre alte Vorgängeralbum „French Touch“ ans Herz gelegt, das ausschließlich Coverversionen diverser Pop-Klassiker – von ABBA bis zu den Rolling Stones – enthält, bei denen es sich um Carla Brunis persönliche Lieblingssongs handeln soll. Ein gelungenes Experiment, das auch Perlen wie „Enjoy the Silence“ von Depeche Mode oder „Perfect Day“ von Lou Reed eine ganz eigene Wirkung verleiht. Kurzum, auch jenseits der Fünfzig beweist sich Carla Bruni als unvermindert betörende Chanteuse. Das Urteil lautet: voll befriedigend (10 Punkte).

Carla Bruni – Carla Bruni
Universal 2020
ASIN: B08GLP3YQY

justament.de, 1.11.2021: Stadtschloss sollten sie heißen

Scheiben vor Gericht Spezial: 20 Jahre 2Raumwohnung

Thomas Claer

Wenn man nicht unbedingt auf elektronische Musik steht, dann hat man womöglich immer auch einen weiten Bogen um das Berliner Elektro-Duo „2Raumwohnung“ gemacht, das vor nunmehr zwei Jahrzehnten seine erste Platte „Kommt zusammen“ herausgebracht und dieser noch sieben weitere hat folgen lassen. Doch ist diese Missachtung ein schwerer Fehler gewesen. Zumindest muss der Rezensent sich dies eingestehen, der diese grandiose Musik gerade erst für sich entdeckt hat. Zwar könnte man nun naheliegenderweise zwecks Kompensation darauf verfallen, zur vor knapp einem Jahr erschienenen Best of-CD „20 Jahre 2Raumwohnung“ zu greifen. Doch hätte man damit sogleich noch einen zweiten Fehler begangen, denn dann wäre einem, unter uns gesagt, wirklich eine Menge entgangen. Nein, wer den Zauber von 2Raumwohnung gleichsam in vollen Zügen und ohne Abstriche genießen will, der sollte nicht vor der Anschaffung ihrer sämtlichen Tonträger zurückschrecken. Es lohnt sich ganz unbedingt und ist noch nicht einmal kostspielig. Bei Medimops etwa, dem Second-Hand-Shop unseres Vertrauens, gibt es die 2Raumwohnung-Scheiben schon ab 2 Euro, und alle zusammen kosten kaum mehr als die aktuelle Best-of-Zusammenstellung. (Für solche neumodischen Methoden, sich die Musik stattdessen zu streamen, fehlt unserer Musikredaktion weiterhin jedes Verständnis.)

So wie bestimmte Weine ihr volles Aroma erst nach langer Lagerzeit erreichen, hat die famose Inga Humpe, heute 65 und einst als NDW-Star mit den Neonbabies und DÖF groß herausgekommen (ihr Mega-Hit mit Letzteren hieß damals „Codo“- Codo? Yes, Codo), hat Inga Humpe also, die ferner auch als eine der beiden Humpe-Schwestern von sich reden gemacht hat, ihr wohl wichtigstes musikalisches Projekt erst mit Mitte vierzig begonnen. Und das ist die besagte 2Raumwohnung, origineller Weise benannt nach dieser seinerzeit nur im Osten üblichen Bezeichnung für eine weitverbreitete Behausungsform, in welcher sich Inga Humpe und ihr sieben Jahre jüngerer Mitstreiter Tommi Eckart gleich nach dem Mauerfall in Berlins Osten einquartiert haben – und nach allem, was wir wissen, bis heute noch nicht wieder ausgezogen sind…

Das Besondere an 2Raumwohnung sind ihre frischfröhlich-eingängigen Melodien in Verbindung mit Inga Humpes oftmals hintergründig-vieldeutigen und dabei immer auch intelligenten deutschen Texten. Sehr selbstbewusst, sehr feministisch kommen sie daher, nicht selten frivol und verspielt, dass es eine Freude ist.

Nicht alle ihre Platten sind gleich gut, das ist naheliegend. Aber wer alle gehört hat, wird auf keine von ihnen verzichten wollen. Besonders zu empfehlen sind (in dieser Reihenfolge): „36 Grad“ (von 2007), die beiden Erstlinge „Kommt zusammen“ (2001) und „In wirklich“ (2002) sowie das vorletzte Album „Achtung fertig“ (2013). Und ihre stärksten Songs? Man höre z.B: „Wir trafen uns in einem Garten“, „Nimm mich mit“ und vor allem: „Freie Liebe“. Das Urteil fürs Gesamtwerk lautet daher: gut (14 Punkte).